Microsoft Word - 2012 iuc abstracts and bios collated.docx


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Interstices Under Construction Symposium 2012: 

Immaterial Materialities 

 

Abstracts and Presenters’ Biographical Notes 

   



Adam Jasper 
School of Architecture, University of Technology Sydney 

 
 
Spatial Relations and Materialist Ethics 
 

In 1913 the Catholic theologian Max Scheler published his first major volume on materiale Wertethik, or 
materialist value‐ethics. It would prove to be a germinal book in the development of phenomenology. The central 
idea of materialist ethics is that affects (including feelings, emotions and moods) have an inherent ethical meaning. 
How we feel about material events, things and spaces is not derived from abstract reflective judgment, nor do 
feelings impoverish our judgments, rather, they are the absolute basis for the possibility of judgment as such. 
Scheler thereby granted immediate ethical importance not only to the affects produced by spatial relations and 
sensual materialism, but opened the possibility for meaningful discussions of the transformation of our experience 
of space through mood, a discussion obliquely reflected in the bizarre sets of German expressionist cinema. 

In 1927 the marxist designer El Lissitzky produced a series of photomontages that conveyed emotional states 
solely through their titles and the spatial relations embodied in the image. Eifersucht, or Jealousy, shows a figure 
occupying his own skin like a homunculus, his real body alienated from him and projected onto an imaginary third 
party who occupies the space next to the woman of his desire. The imaginary third party, an inversion of his own 
self, is both a paranoid projection and a barrier whose imaginary status is underscored by the apparent 
obliviousness of the modern woman who is both the largest figure in the picture, and spatially subordinated to the 
plague of phantasies that surround her. In Lissitzky, a particular emotion can not only be depicted through the 
spatial arrangement of elements, but perceived spatial relations show themselves to be a direct product of 
affectual states. 

Heidegger praised Scheler as "the strongest philosophical force in modern Germany" in 1928, and Karol Wojtyła, 
later Pope John Paul II, wrote his doctoral thesis on Scheler's work in 1954. In between those two dates, Scheler's 
work was suppressed by the National Socialist government, and alternately neglected and appropriated, not least 
by Heidegger himself. Lissitzky, for his part, has suffered less posthumous neglect, but the relationship between 
affect and spatiality in his montages has never been properly addressed. This paper proposes an exploration of 
materialist ethics through the spatial depiction of affect in Lissitzky's photomontages. This unlikely combination of 
catholic and marxist thought presents a kind of counterfactual history of materialism and spatiality that takes 
elements from (but is not directly derived from) the central tradition of phenomenology as it evolved in the 
twentieth century. 
 
 
 
Dr Adam Jasper is a contributing editor to Cabinet, and a regular contributor to Frieze and Art & Australia. For these publications he 

has written on art criticism, material culture and the anthropology of the banal. He is also a lecturer on the Faculty of Design, 

Architecture and Building, University of Technology Sydney. He teaches subjects on aesthetics, art history and criticism within the 

faculty. His most recent article is a case study on the sequence of events via which an obscure biological entity (in this case a 

microscopic fungus) can become a significant geopolitical player. "What Is Fusarium?" was published in Cabinet, Issue 46 "Punishment" 

(Summer 2012). He also contributed an essay on Giacometti and fetishism to the publication of "The Golden Thread", the book 

accompanying Hany Armanious' pavilion at the 2011 Venice Biennale. 

   



Amy Campos 
California College of the Arts in San Francisco, CA 

 
 
"Material Waste: Considering Designed Obsolescence and Excess as a Way Out" 
 

Much attention in the last few years has been focused on environmental change, material waste, economic 
disparity, and the rapid migration of industry. Planned obsolescence, disposability, biodegradation and similar 
progressive material processes can provide a new model for reconciling cultural desires for more with a 
sustainable mandate for less.  Rather than viewing the design of the built environment as means to a single, 
complete “finished product”, transformative material processes can be applied as opportunistic and systematic 
strategies for designed environments that can productively evolve over time.   

There is an abundance of underutilized built space in the world today, particularly in areas with shifting industrial 
and economic resources.  As buildings in these areas are abandoned, recyclable materials are stripped from them 
leaving the bulk of the building material left unprotected and exposed to accelerated decay.  Ultimately, the ability 
to recycle proportionately small amounts of the building material renders a large portion of the material unusable 
again, producing a huge amount of unnecessary waste. Because we design for a building’s durability in terms of 
total assembly, we overlook opportunities to think of the built environment in terms of replaceable assemblies of 
varying durabilities. 

One useful model for a component‐based way of designing is found with the widespread use of paper collars, cuffs 
and shirtfronts in men’s fashion in the mid‐19

th
 century. The restructuring of the shirt to provide for single 

disposable components lengthened the life of the body of the shirt and allowed for durability to adjust according 
to the use patterns inherent in particular areas of the shirt structure.  By acknowledging a variation of needs for 
durability in this case and making something strategically and variably disposable, overall durability and 
functionality were extended with minimal waste.     

This presentation will examine new modes of material and spatial assembly in the built environment that embrace 
obsolescence, disposability and biodegradability and design for varying permanence in built environments that can 
accommodate modern migrations of industry, capital and population. 
 
 

Amy Campos is a practicing architect and designer, and is an assistant professor in Interior Design, Architecture and Visual & Critical 

Studies at California College of the Arts in San Francisco, CA. Her work focuses on critical issues of durability and design with an 

emphasis on full‐scale installation and
fabrication. The work spans a variety of scales and platforms from urban to architectural and 

interiors to object and furniture design.  Campos is a registered architect and is LEED accredited. She received her Master of Science in 

Advanced Architectural Design from Columbia University and a Bachelor of Architecture from Cal Poly, San Luis Obispo. 

 
   



Andrea Connor 
University of Technology Sydney 
 
 

Faith in Steel: The Fragmented Afterlife of the World Trade Centre, Mediating Modernity after 9/11.  

From its earliest inception the skyscraper has worked as a powerful symbolic agent and material loci From its 

earliest inception the skyscraper has worked as a powerful symbolic agent and material loci around and through 

which to mediate the dreams and utopian visions associated with modernity. Skyscrapers embody the promise of 

technology and what the architect Rem Koolhaas famously referred to as the dream of “free movement in space.” 

In this paper I consider the ongoing mediating agency of one such skyscraper, the World Trade Centre (WTC), 

through the trajectory of its remnants, the steel beams that once formed the internal, structural skeleton of the 

buildings.  

One of the most recyclable commodities in the world, the strength and malleability of mass‐produced, industrial 

strength steel is as elemental to a form of modern, industrial capitalism, and the development of the very tall 

building as money. But steel is not only a physical commodity it is also a cultural substance, a material imbued with 

wider social meanings and historical residues including: the idealized cultural values associated with modernity—a 

‘spirit’ exemplified by the skyscraper; its general association with ‘building’ and by extension its metaphoric and 

imaginative association with nation‐building; its identification with a form of robust, entrepreneurial capitalism, 

characteristic of the 20
th
 century, and iconic industrialists like J.P. Morgan and Andrew Carnegie, who got their 

start in steel; and its popular cultural associations in characters like superman – ‘the man of steel,’ defender of the 

urban, American, metropolis.  

These historical and cultural residues have been made visible since 9/11, through the circulation and deployment 
of WTC steel in new highly symbolic contexts. In this paper I trace the emergence of steel as a privileged agent of 
mediation, in a context of heightened vulnerability post‐9/11 and its transformation as sculptural memorials, 
sacred relics and artifacts in the social space of a number of commemorative environments. I aim to understand 
not only its physical transformations but also how the cultural materiality associated with a modernist skyscraper 
has been preserved, re‐animated and put to work through these durable steel fragments.  
 

 

Andrea Connor currently teaches Researching Design History in the faculty of Design, Building and Architecture at the University of 

Technology in Sydney. Her PhD in Cultural Studies from UTS explored the afterlife of two monumental social objects, the Mostar Bridge 

in Bosnia and the World Trade Centre, in New York, and their reconfiguration post‐destruction as significant sites of collective 

remembering and forgetting. Andrea has taught and lectured and several universities in Australia and has also worked as a journalist in 

radio and television for the SBS and ABC.  

 

 

   



Ashley Paine 
ATCH Research Centre, University of Queensland’s School of Architecture 

 

Striped Effects: Articulating the Material and Immaterial 

The striped interior of Siena Cathedral is often cited as a wondrous experience: the intensity of its patterned 

surfaces striking the viewer as both dazzling and disorienting. It is a remarkable demonstration of the psycho‐

perceptual effects of stripes, and their capacity to assert both the physical and visual conditions of space in a 

dialectical interplay that oscillates between materiality and immateriality. Of course, a striped pattern can itself be 

understood in such dualistic terms: as a physical organisation of matter into banded chromatic oppositions; and as 

an optical structure independent of its physical support. With this duality in mind, the paper examines the 

relationship between stripes and materiality, and the complex effects, both physical and perceptual, produced by 

architectural surfaces articulated with bands of materials. 

Fundamentally, these effects emerge because stripes are intensely conspicuous. They draw attention to 

themselves and lead our eyes across a given surface. Such operative qualities of stripes can amplify, unify and 

clarify building form, but they can also overwhelm it, destroy its unity and obfuscate its extents. Stripes also 

enhance the directionality of architectural space—by asserting the frontality and flatness of the façade, or by 

exaggerating the phenomenal rotational movement of the building—enabling a kind of control over the perception 

of form, achieved through the patterning of its material and construction. This control extends over the observer, 

compelling them to stand before, or to move about the building, according to its frontal or rotational directives. 

The paper is located within the broader contemporary context of resurgent interest in pattern and ornament. 

While the use of stripes has its origins in Roman construction, it will be shown to have significant implications for 

contemporary “surface” theory and practices. In particular, it will be argued that the effects produced by stripes 

actually constitute a unique kind of ornamental condition. This might be understood in terms of “perceptual 

artifice,” in which the organisation of materials into stripes, can locate the viewer and choreograph their 

movement through space, by exerting its control over the visual perception and affective phenomena of 

architecture.  

 

 

Ashley Paine is a PhD candidate in the ATCH Research Centre at the University of Queensland’s School of Architecture. His research 

combines historical and theoretical investigation, with design research methods and practice, to examine the compositional and spatio‐

visual effects of stripes on the architectural façade. Ashley is also a practicing architect, establishing PHAB Architects in 2010. 

   



Claudia Perren 
School of Architecture, University of Sydney, Australia 

 
 
Information Material 
 

This  paper  investigates  the  dematerialising  capabilities  of  information  in  the  realms  of  art  and  architecture.  It 
considers the role of information in both disassembling the material/substantial character of architecture as well 
as the activation of materials through observation. Furthermore, it explores the implications of new technologies 
which,  when  applied  to  traditional  materials,  engage  the  human  body  in  a  reciprocal  data  exchange  with  its 
immediate environment. 

The art of Thomas Demand is one of dematerialization and in this sense, one similar to the architecture of Peter 
Eisenman’s Cardboard Houses. Demand challenges the material quality of his subjects by building 1:1 scale models 
of real spaces entirely out of cardboard; often thereby ignoring and subverting their original material composition. 
This process of abstraction is only conducted to a degree whereby one can still recognize an “original” space, as 
the replica still contains enough information for one to “see” and read, for example, a curtain even if there is no 
drapery or a letter even if there is no real writing.  

Peter Eisenman, especially in his early houses from the 1970s, approaches his work conversely to that of Demand. 
His catalysts are often abstract compositions in both two‐ and three‐dimensional media, which seek concretization 
through physical form, in order to become architecture. In his developmental process Eisenman withholds pieces 
of material information and avoids details where possible, creating inhabitable yet programmatically unspecified 
spaces. This resulting architecture remains self‐referential and scaleless until its actualizing inhabitation. Different 
areas are more or less suitable for different functions, yet cannot be recognized as a bedroom or kitchen due to a 
deliberate lack of programmatic information. Only through inhabitation is sufficient information added via details 
such as door handles, knifes or books and materials such as drapery, carpet or timber. 

Jurgen Mayer H is taking dematerialisation further by combining the physical and digital components of our urban 
environment. In his urban vision ‘A.WAY’ Mayer arrives at a new understanding of activated space where layers of 
digital information are added to building materials; transforming the city and its inhabitants into a data flow; 
blurring the boundaries between architecture and its inhabitants and digital and physical information. 

 

 

Dr.  Claudia  Perren  is  a  curator,  architect  and  lecturer  in  Architecture  at  the  University  of  Sydney.  Her  research  areas  focus  on 

Conceptual  Art  and  Architecture,  Moving  Architecture,  and  Modernism.  She  is  interested  in  hybrids,  in  questioning  architecture 

through other disciplines, and challenging the traditionally fixed relationship between form and matter for the benefit of an integration 

of  time,  variation  and  development  of  form  into  architecture.  Her  writings  have  been  published  in  Australia,  Germany,  the 

Netherlands, the Czech Republic, Singapore, Spain and Switzerland. 

 
   



 
Dijana Alić  
School of Architecture, University of New South Wales 

 
 
A role of historical materialism in materialising communist Yugoslavia’s architectural aspirations  
 

Marxist critique of mechanical materialism questions the separation of object and subject. Mechanical 
materialism, Raymond Williams has argued, isolates the objects and ignores the subjects, namely human activities 
as subjective endeavours. The distinction between this mechanical materialism of the past and new Marxist 
historical materialism, which incorporates human activity as a primary force, establishes the grounds upon which 
dialectic materialism is premised (Williams, Keywords, 1976).  

In the seminal text on the modern architecture of Yugoslav socialism, Architecture of Bosnia and the Way Towards 
Modernity” (Grabrijan and Neidhardt, 1957), co‐author and architect Juraj Neidhardt presents his design method 
as based upon a ‘dialectic’ relation between the heritage fabric (a material past) and the socialist present. He 
argues that traditional historic fabric should be used as a vehicle in developing new ideas: creative thinking 
grounded in previous decades’ design and construction being relevant to the local environment. Neidhardt and 
Grabrijan argued that separating the ‘positive’ values of the heritage fabric (physical qualities) from the ‘negative’ 
values (associated with cultural and religious practices) produced a useful set of architectural ‘elements’ through 
which to develop new ideas.  

Ultimately, they argued that a formulaic re‐arrangement of elemental architectural components would facilitate an 
active relationship between the object of analysis – heritage built fabric – and the new society. The method would 
provide practical and useful information for developing an artistic superstructure for the emerging socialist society.  
Neidhardt’s proposals could be easily dismissed as opportunistic exercises promoting the rationalism and scientific 
methodologies valued by the ruling Communist Party. However, closer examination of his design methodology and 
his writings with Grabrijan demonstrate their capacity to successfully dissociate human activity and built form in 
order to transform the meanings aligned with traditional heritage fabric.  

 

 

Dr. Dijana Alić holds a Senior Lecturer position in design, history and theory in the Faculty of the Built Environment at The University of 
New South Wales in Sydney, Australia. Her research interest focuses on the relationship between modernity and national expression in 
architecture, particularly in the context of (post‐World War 2) 'Eastern' Europe. Dijana has published in significant international 
journals such as the Journal of the Society of Architectural Historians (JSAH), Open House International and Centropa. 
 

 

   



 
Gevork Hartoonian 
School of Architecture, University of Canberra, Australia 

 
 
Materiality Matters: If Only for the Look of It!  
 

This paper will discuss the presence of a digitally reproduced perception of lightness in Zaha Hadid’s projects, 
arguing that the dialectics between materiality and image is inherent to architecture even though its mode of 
operation and appropriation have varied throughout architectural history. The paper will pursue the importance of 
material and its transformation into materiality in two historical moments, Renaissance and early modernism, and 
in the writing of L. B. Alberti and J. Ruskin respectively.  

I will discuss Alberti alongside Ruskin in order to demonstrate how image is domesticated in architectural theory, 
and that there is always an element of excess in architecture, which is the locale of materiality. Having established 
the schism between architecture and building, the paper will then present tectonics as a theoretical paradigm in 
which, according to Gottfried Semper, the materiality of architecture attains significance when it is comprehended 
in the broader aesthetic experiences of the cultural. But what if the cultural is already saturated with image 
building, as is the case today, through which architecture is turned into an ornament? I will offer an answer to this 
dilemma through exploring Hadid’s architecture. Her occasional inclination for sculpted tectonics is important in 
two grounds: firstly, it provides a good case to demonstrate the recoding involved in the use of concrete beyond 
the traditions of New Brutalism. Secondly, a critical assessment of her work is useful in opening up the discussion 
of materiality to include aspects of the architecture of Brutalism that might have political connotations beyond 
that suggested by Ruskin. 
 
 
 

Gevork Hartoonian is Professor of Architecture and the Deputy Head of Design, Faculty of Arts and Design, University of Canberra, 

Australia. His research is focused on a critical archaeology of modern architecture's appropriation of the nineteenth century 

architectural discourses, the tectonic in particular. He is the author of numerous books and book chapters. His most recent book is 

titled, Architecture and Spectacle: A Critique, Ashgate, 2012. 

 
   



John Roberts 
School of Architecture and Built Environment, University of Newcastle Australia  

 
 
White Table / White Aalto  
 
Late in life Alvar Aalto wrote a brief text ‘The White Table’, recalling his surveyor father’s white drawing table: a 

childhood play space, a refuge, a realm of fantasy and imagination. Aalto noted its special quality of liberty: ‘A 

white table is as white as white can be; it has no recipe, nothing obliges man to do this or that. In other words, it is 

a strange and unique relationship.’ White, like Finland, seemed always to be with Aalto, finding expression in 

different material strategies in his architecture. Aalto exploited the material and immaterial potentialities of white: 

historical and natural significances of white resonate in his buildings. A visitor sees how Aalto rarely left areas of 

white untreated; he would mark, ornament, overlay, overgrow and even deface white surfaces, inside and outside, 

denying their pure expanses and restlessly animating their potential blankness.  

Leatherbarrow and Mostafavi in Surface Architecture propose that ‘Forms in architecture arise out of the 

production methods and applications of materials’. For Aalto, white seems more than applied hue or pigment; it 

becomes a material for architectural thinking, making, and experience. This paper problematizes material and 

spatial poetics of white in selected Aalto buildings.  

And when we wonder about Aalto’s ways with white, emotional associations of landscape experience of white 

seem to be especially recalled and re‐materialized: reflected light, shadow, haze, spatial and atmospheric 

presences of snow, ice, fog, clouds, waves. White is not background or tabula rasa in natural landscape, but is 

actively present, full of purpose. Aalto’s methods in deploying white raise visual and spatial problems, perhaps 

even doubts: of containment and contained; of inside and outside; of solidity and evanescence; of absence and 

presence, figure and ground; and of haptic perceptions (rough, smooth, cold). The paper aspires to open a 

discussion of materializations of Aalto’s – and perhaps our own – ‘strange and unique relationship’ with white. 

 

John Roberts currently teaches Architectural Design and Advanced Drawing & Model Making, in the BDes(Arch) program at the School 

of Architecture and Built Environment, University of Newcastle, NSW. He also lectures in Site Studies, and supervises MArch research. 

Other teaching interests include health and housing, landscape history, art and comics, infra‐local landscapes, sustainable design and 

workshop‐related learning. John Roberts’ research interests concern historical and theoretical spaces between architecture and 

landscape; his MPhil thesis considered prospect and refuge symbolism in Alvar Aalto’s architecture. Recent publications have 

considered topics including: landscape aesthetics and house architecture; the houses of Alvar Aalto and Jørn Utzon; high‐rise work by 

Aalto and Utzon; clouds, sky, waves and architecture; the art of Colin McCahon; and prospect and refuge in Australian architecture.  

   



Matthew Mindrup 
Marywood University, U.S. 

 

Bauhaus Exercises on the Material Imagination 

One of the most important schools for architecture, design, and art in the 20th century, the German Bauhaus 

developed a common Basic Course in 1919 to introduce creative people to design through exercises that trained 

their material imaginations. The German architect, Walter Gropius conceived this unique approach to design 

education as an alternative to the normative Beaux Arts study of exemplars in antiquity. After the departure of 

Johannes Itten in 1922, the Hungarian artist, László Moholy‐Nagy changed the emphasis of Itten’s exercises on a 

metaphysical speculation of form and color to an objective, assessment of material effects and affects. Inspired by 

the Austrian born botanist and nature philosopher Raoul Francé’s concept of ‘bio‐technique,’ Moholy‐Nagy 

intended that students would extend this study of materials to the creative imagination of form in different media. 

One can find examples of the creative transfer Moholy‐Nagy intended in his use of a harp’s audible gradation of 

tones as inspiration for the design of a screen wall at his 1935 Dutch Rayon Manufacturers Exhibition and the 

wood springs developed by students at the New Bauhaus School in Chicago based upon a study of rubber. In these 

instances it is not the visible form of materials that are transferred from one substance to another but an 

architect’s immaterial memories of their effects, affects, and methods of facture. Employed like metaphors in their 

Greek etymological sense as metapherein, or “transfers” of sensory information from one modality to another, 

Moholy‐Nagy’s professional and pedagogical work demonstrate a use of immaterial materialities to inform the 

imagination of factures in architecture and product design. This paper explores how Moholy‐Nagy’s pedagogical 

exercises at the Bauhaus sought to develop an architect’s ability to think with materials in order to counter the 

repetition of normative designs and arbitrary willfulness of a sometimes overly rampant formal imagination. 

 

Dr Matthew Mindrup is an architect, researcher and pedagogue who lives in Waverly, Pennsylvania where he is helping found a new 

school of architecture at Marywood University. In 2007, Matthew completed a Ph.D. in Architecture at Virginia Tech University on the 

physical and metaphysical coalition of two architectural models assembled by Kurt Schwitters in the early 1920s. Matthew’s ongoing 

research in the history and theory of architectural design locates and projects the implications that the making and use of models have 

in the design process. He has presented some of this research at conferences while other parts have been published in English and 

translated into Chinese.  

 
 

   



 
Nugroho Utomo  
School of Architecture, University of Canberra 

 
 
Beton‐Préfabriqué: On the appropriation and  expansion of Brutalist materiality in Australian architecture 
 

The New Brutalism promoted the notion of materials ‘as found’ and professed the virtues of the ‘ordinary’ – in 

tune with contemporary interest in the notion of the ‘everyday’ in architecture. This propensity toward materials 

‘as  found’  was  noted  by  Reyner  Banham  and  was,  despite  their  differences,  corroborated  by  Alison  and  Peter 

Smithson who retrospectively stated that “we were concerned with the seeing of materials for what they were: the 

woodness  [sic]  of  wood;  the  sandiness  of  sand.”  For  Banham  in  New  Brutalism  “every  element  is  truly  what  it 

appears to  be...” This matter‐of‐fact  approach echoed a  wider  shift towards the expression  of  materials  which 

occurred in post‐war modern architecture, and to a large extent is concerned with the question of surface and, in 

the case of the New Brutalism, the presentation of materials ‘as fact.’ Imported  into the Australian context the 

term ‘Brutalism’ was simply reduced to any use of exposed concrete with no distinction between pre‐cast and in‐

situ nor board‐formed and uni‐formed. This inclusive attitude can on the one hand be interpreted as a dilution of 

the early Brutalist position on materiality. However, it can also be traced back to Jean Dubuffet’s Art Brut work 

which is acknowledged as being one of the key sources of the New Brutalism.  

Establishing the historic premise of the ‘as found’, the essay explores how this mode of evaluating materials for 

their  inherent  properties  and  processes  eventually  permeated  Australian  architecture  where  tropes  such  as 

‘material honesty’ were already commonplace. Focusing primarily on Town Hall House (1977), the essay discusses 

how  architect  Ken  Woolley  masterfully  articulated  pre‐cast  concrete  to  create  exaggerated  window  reveals, 

spandrels, brise‐soleil and other repetitive elements to animate the surface of large block‐like masses that have 

come to typify Brutalist architecture  in Australia. Further, the essay  will elaborate  on  how the project displays 

tendencies that are  indicative of an emphasis on surface, which can be read as being  in  line with the broader 

genealogy of Brutalism and the ‘as found.’ Town Hall House, however, reveals modifications to the raw materiality 

of the original Brutalist canon, and alludes to the notion of delay and displacement which is associated with the 

appropriation of foreign attitudes toward the art of building. The building is an example of how in Australia the 

New Brutalist sense of materiality re‐emerged in the new found plasticity of beton‐préfabriqué. 

 

 

 

Nugroho Utomo is a PhD candidate at the University of Canberra, Australia. His research builds on more recent historiographies which 

have highlighted the need for further inquiry into the later developments of post‐war modern architecture, primarily focusing on the 

Brutalist phenomenon and its importation into the Australian context. He is also a graduate architect practicing at the Canberra office 

of Cox Architecture and design tutor at the University of Canberra’s Faculty of Arts and Design.   

 
   



 
Peg Rawes  
Bartlett School of Architecture University College London, U.K. 

 
 

Immaterial material ‘ecologies of mind’ 

Buckminster Fuller’s Dymaxion maps (1943‐54) and Agnes Denes’s planetary projections (1974‐6) bring to light 
material and immaterial ecological concepts in their cybernetic ‘architectures of life’ which are more ecologically 
urgent now than when they were first produced.  

Buckminster Fuller’s utopian material networks – or ‘ecologies of mind’ (cf. Bateson) – attempted to capture the 
‘universal’ complexity of planetary, human, technological and environmental relations through the axiomatic and 
projective power of material geometric systems or architecture. Thirty years later, conceptual and environmental 
artist, Agnes Denes’s isometric maps examined the planet’s material resources, especially global food trade, in 
distorted space‐time projections, such as her immaterial ‘alien’ ‘hot dog’ or ‘egg’ ecology‐projections. Her site‐
specific project, Rio Earth Summit, Tree Mountain – A Living Tim Capsule – 11,000 Trees, 11,000 People, 400 Years 
(1992‐96), then repurposed this immaterial geometric method (or, what could be called her ‘ecology of mind’) to 
create a living material architecture of trees, human custodianship and reclaimed waste‐land, that she intended 
should physically record the effects of climate change, environmental protection and damage by current and 
future generations.  

Underpinning the discussion is Gregory Bateson’s pioneering cybernetic theorisation of immaterial material 
ecologies or ‘architectures’; for example, his conceptualisation of the immanent co‐constitution of immaterial 
psychic ecologies and material biological ecologies in, what he called, ‘information’ or ‘pattern’ in Steps to An 
Ecology of Mind, 1972. Thus, the paper argues that the ecological and geometric immaterial materialities that 
Fuller, Denes and Bateson developed for cultivating and projecting human and environmental 
biodiversity/difference, resonate with architects and artists today who seek to produce immaterial ecological 
ideas/thinking and materials ecology‐practices that address the over‐consumption, pollution and resource‐
depletion of our human and non‐human environments.  

 

	

Dr Peg Rawes is Senior Lecturer, and Thesis History & Theory Coordinator, MArch Architecture (RIBA Part 2), at the Bartlett School of 

Architecture UCL. Her teaching and research focuses on interdisciplinary links between architectural design, philosophy, technology 

and the visual arts, and has been developed into publications that examine: spatiotemporality and embodiment; minor traditions in 

geometric and spatial thinking; new aesthetic and material practices; relational architectural ecologies. Publications include: Relational 

Architectural Ecologies (ed.) (Routledge, forthcoming 2013); ‘Spinoza's architectural passages and geometric comportments’, in B. Lord 

(ed.) Spinoza Beyond Philosophy (2012); Space, Geometry and Aesthetics (2008) and Irigaray for Architects (2007).  

   



Rebecca Uchill 
Independent Curator, PhD Candidate  
Massachusetts Institute of Technology 

 

Art(i)facts versus Fictive Factures: Alexander Dorner’s Immaterialities  

A broad spectrum of early and mid‐20
th
 century art preservation philosophies variously favored the original 

intention, original form, and original material of cultural objects. From Erwin Panofsky’s suggestion that 

experiencing artistic meaning (Sinn‐Erlebnis) was achieved independent of retaining Echtheitserlebnis 

(experiencing the fidelity of authenticity) – to Kurt Karl Eberlein’s hyperbolic argument for the value of Rieglian 

Alterswert of aged materials –the full range of positions on artistic authenticity, material and otherwise, was 

represented in a compressed series of debates published in German art journals between 1928‐1930. At the center 

of these conversations was the director of the Hannover Kunstsammlung, Alexander Dorner. Dorner vouched for 

restorations and reproductions alike, arguing that these were no more in violation of an artwork’s original 

sensibility than the regular recontextualization of historical cultural materials within modern exhibition 

environments. 

Upon emigration to the United States in the late 1930s, Dorner brought his defense of restoration to bear on the 

Rhode Island School of Design Museum of Art (RISD)’s collection objects, restoring artistic fragments to their 

(estimated) full contours. Dorner also extended his polemic against the veneration of original materials by 

prioritizing ever more elaborate contexts for museum viewership: drawing both on his work in Hannover as well as 

on contemporaneous exhibition devices in North Eastern United States museums, Dorner developed immersive 

environments in which to display objects and enhance viewer engagement. Dorner’s post‐RISD years were 

characterized by his explicit endorsement of art and museum experience, with particular recourse to American 

Pragmatist John Dewey’s notion of transaction‐based encounters. However, this paper will argue that Dorner’s 

productions of gallery contexts for visitor experience stemmed equally from a desire to shift the conversation 

about material objecthood as from the theories of perception or democracy that he so often cited. Dorner’s 

tenure at RISD thus offers a rich focal point for considering shifting midcentury Euro‐American discourses about 

the materiality of art as well as the subjective experiences of audiences. 

 

	

Rebecca Uchill is an independent curator and PhD candidate at MIT, in the Department of Architecture’s History, Theory and Criticism 

of Art discipline group. Her research focuses on the institutional conditions for art production, display and dissemination. Uchill is co‐

founder of the cultural event production series Experience Economies, and she has held curatorial positions at the List Visual Arts 

Center, the Indianapolis Museum of Art, and Mass MoCA. In fall of 2012, she will be developing her research on Alexander Dörner a 

visiting scholar at the Leibniz Universität Hannover, with support from the Deutscher Akademischer Austauschdienst. 

   



Ross Jenner 
Executive Editor of Interstices, Senior Lecturer 
School of Architecture, University of Auckland 

 
Ambient Atmospheres 
 
Concepts of ‘immateriality’ in architecture arose with those of ‘space’. The relation immateriality/materiality 
parallels that of space/material. This pairing of matter and that “most immaterial of properties – ‘space’”

1 
would 

seem constitutive of modernity. Generated here are notions of ambience, envelopment, atmosphere, setting, 
surroundings and context, which in the sciences became those of environment, milieu, medium and habitat. 
Schmarsow’s

2
 extension of empathy from solids to void offered a notion of bodily experience at the core of a space 

“whose co‐ordinates intersect in us”. Hildebrand’s
3
 conception of space as extension led to that of spatial 

continuum “as a body of water” in which individual solids are immersed ‐ a correspondence anticipating Valéry
4
 

and Sloterdijk
5
. Hildebrand’s wish to make “visible the appearance of this natural space” implied that the void exist 

“not as something externally limited but rather as something internally animated” where “the boundary of an 
object is, strictly speaking, also the boundary of the body of air surrounding it”, anticipating Heidegger’s notion of 
the boundary as that from which presencing begins.  
The focus of this paper lies outside the classic conceptions of space in Modernism: can a spatiality of atmosphere 
and relation, felt space, specifically, in the works of Italian architects Edoardo Persico and Franco Albini be the seen 
as an adumbration of today’s ‘immaterial materialities’? Critics noted Persico’s “Impressionistic sensibility” in 
installations such as the “Hall of the Gold Medals” (1934) and the “Hall of Honour” (1936) where “the voids have a 
compositional value even more alive than the solids.” His was an “aspiration towards an architecture of voids, a 
spatial architecture which (…) can be identified with his preponderant longing for the freest airy independence of 
the spirit.” 
Albini’s installations from 1935‐60 tend to the experience of a linear abstraction subtle to the point of being almost 
purely graphic and animated by contact with an “atmospheric sensibility” of space rather than solid materials. A 
colleague, discussing Albini’s apartment in via Milan, emphasized an ‘essentially spatial’ expression, repeatedly 
using the phrase ‘atmospheric spaces’ (spazi atmosferici) to characterize its rooms “delimited ideally even just by 
hints.” 6 Such works are the legacy of Impressionism and the spatial Interpenetration of Crystal Palace. They make 
atmosphere perceptible as a poet might the ineffable.  
“Atmospheres”, notes Böhme “are something that defines the human‐in‐the‐world as a whole, i.e. its relationship 
to the environment, to other people, to things and works of art.” 7 Put otherwise, “the admission into space is a 
giving of the thing to relation.”

8
 Albini’s notion of space as rapport is an attuning of the body to the works 

exhibited, focusing and interpreting them through the “setting of a particular atmosphere (un ambiente di 
atmosfera particolare)”. This “ambientamento” –acclimatisation‐ must arouse an atmosphere which “must not be 
fixed or stagnant but pulsate and the public must find itself immersed and stimulated here without noticing it.” To 
achieve this, he argued, “it is the very voids which must build ‐ air and light being building materials.”

9
 

 
Ross Jenner teaches at the University of Auckland. He has practised in Britain, Finland, Switzerland and New Zealand. His PhD from the 

University of Pennsylvania was on Italian Rationalism. His writing and projects have been published in several books and numerous 

journals, including Transition, Architecture Australia, Lotus, The Journal of Architecture. Having published on buildings by Peter 

Zumthor and Ruskin’s Stones of Venice, he is currently working on a book on Italian architecture between Futurism and Rationalism. 

With Tina Engels‐ Schwarzpaul, he is executive editor of Interstices, Journal of Architecture and Related Arts. 

                                                            
1

  Forty, A. (2000); Words and Buildings: A Vocabulary of Modern Architecture. 
2

  Schmarsow, A. (1894); "Das Wesen der architektonischen Schöpfung" 
3
  Von Hilderbrand, A. (1893); Das Problem der Form in der Bildenden Kunst 
4
  Valéry, P. (1921); Eupalinos ou l’Architecte 
5
  Sloterdijk, Peter (2006); “Architektur als Immersionskunst” 
6
  Romano, G. (1941); "La casa di un architetto."  

7

  Böhme, G. (2006); Architektur und Atmosphäre 
8
  Mitchell, A. (2010); Heidegger Among the Sculptors : Body, Space and the Art of Dwelling.  
9
  Franco Albini “Le mie esperienze di architetto nelle esposizioni in Italia e all’estero” 



Ross McLeod 
Senior Lecturer 
RMIT 

 

FIELD AFFECTS: Shaping Spatial Experience 

The paper documents the findings from a series of experimental design projects which have sought to question the 

basis of creative thought and expand the perceptual and cognitive tools that may be brought to the manipulation 

of objects and spatial phenomena. The foundation of this body of work involved the development of a theoretical 

and perceptive base to design, which eschews the conception of materiality and physical form as the central 

concern in the fashioning of objects and spaces, and embraces the comprehension of the physical fields that affect 

sensorial experience as its primary concern. A key to the development of this ethos is the idea that the design of 

our physical environment can be enacted through the manipulation of fields of wave‐like phenomena.  In this 

process the conceptual base for design is envisaged as the harnessing of fields of energy rather than the shaping of 

inert matter.  

Through the iterative and exploratory nature of design thinking, the projects addressed the inherent physical 

connection between light, sound, form and materiality and developed design methodologies in which the 

observation of the field‐like behaviour of one kind of spatial phenomena could be employed to develop an 

understanding of another. Addressing the foundations of the design process in such a way exposed a creative 

methodology in which the consideration and manipulation of the material and immaterial aspects of the physical 

world transcended the traditional boundaries that lie between the distinction of matter and phenomena. In this 

approach to design thinking, the essential creative act is seen as a marriage between the precise manifestation of 

phenomenal fields and the perceptual affects that they create. In such a schema, the designer’s role is considered 

to be a cross‐disciplinary and trans‐modal practice that is involved in the shaping of spatial experience. 

 

Dr. Ross McLeod has spent the last twenty years engaged in a practice that has sought to extend the boundaries of design thinking. 

This practice has been enacted through the teaching of undergraduate and postgraduate students, the curation of exhibitions, the 

organising of conferences, the writing of essays, the editing of books and the design of furniture, sculpture, installations and interior 

spaces. Works include the publications Interior Cities (1998), INTERsection (2002) and the Sensuous Intellect (2006) and the 

international exhibitions Hybrid Objects (2002), Tyranny of Distance (2004) and Design Life (2010, 2012).  Recent design projects have 

included: Auroral, Stylecraft showroom, 2010; Transience of Light, Euroluce Melbourne, 2011; String Theory, dedece, 2012; and 

Animate Activate, Stylecraft showroom, 2012. 

 
	
 
   



 
Ruth McDermott 
Lighting Designer and Doctoral Candidate, University of Technology Sydney 

 
Translucency, brilliance and sparkle: an exploration of the interplay between light and materials 
 
The sun never knew how wonderful it was until if fell on the wall of a building. 
Louis Kahn 

There is something of a romance between materials and light. Light reveals the particular texture and patina of 
materials. Materials give light character and shape the ways in which it functions in our lives.  Historically, most 
light technologies have found or invented a material that best complements and enhances their particular 
properties. Prior to the 18th century candles were an important light source, but it took the invention of glass with 
a lead content ( “lead crystal”) cut into prismatic shapes and used in chandeliers to give sparkle to their soft light.  
The light was refracted by a multitude of prisms, making it possible to light whole rooms.  
 
Designers are currently coming to terms with a new light source – light emitting diodes sometimes known as solid 
state lighting. LEDs were originally developed as indicator lights but are now considered the future of lighting in 
architectural and interior applications due to their energy efficiency and low life. 
LEDs pose significant challenges in creating acceptable light for interior settings as they are essentially tiny pin 
points of high glare with highly directional light. Their small size means that they cast strong well defined shadows 
and the actual light source itself needs to be shielded from direct view. 
 
 LEDs perhaps more than any other light source will rely on highly differentiated interactions with materials to 
generate light quality appropriate to particular contexts. In the following I explore the relationship between light 
and materials drawing on the fundamental optical principles of refraction, reflection and diffusion. 
 In this paper I argue that we need to enrich the repertoire of designers in the fields of architecture, interior design 
and lighting design so that they become aware of how to make use of the rich interplay of light and materials as 
lighting technologies evolve.  
 

Ruth McDermott is a Sydney based designer and academic with an industrial design background.  After working in many product 

design areas she now creates site specific lighting works for festivals and clients and has exhibited in Milan, Tokyo,  Seattle and 

throughout Australia. She is currently undertaking a doctorate in design at the University of Technology Sydney on the use of LED light 

sources in architectural applications. Her research is exploring how new typologies of light fitting could exploit this new light source 

more effectively.  She has presented papers based on her research at ConnectED 2010, IASDR 2011 and at Lightfair ( the largest lighting 

conference in the world) in 2010. 

 

   



Sophia Psarra 
Reader in Architecture and Spatial Design 
The Bartlett School of Architecure, University College London/U.K. 

 
Self‐organisation and Theoretical Reflection: The (im)material architecture of Venice and the Venice Hospital 
 
New developments in architecture and digital design technologies since the 90s emphasize a shift from theory to 

practice, and from object‐oriented architecture to ‘field conditions’ where what matters is not the geometry of 

elements hierarchically  disposed to  form  wholes,  but  ‘fields’  of self‐organisation based  on  local‐scale relations. 

Drawing from biological analogies and complex theory in mathematics and physics, these design paradigms turn 

away  from  the  material  object  to  immaterial  social,  ecological  and  experiential  phenomena,  such  as  user 

behaviour,  interactive  environments,  atmospheres,  ecologies  and  evolutionary  networks.  These  paradigms  are 

often illustrated by speculative projects of the 60s, such as Le Corbusier and Julian’s Venice Hospital. I will explore 

Venice and the Venice Hospital in relation to two questions: What does happen to materiality and immateriality 

when architecture is conceived as a ‘field’ instead of being seen as an ‘object’? Is it possible to conceptualise these 

notions within specifically architectural theory instead of borrowing theories from other disciplines?  

Combining  spatial  network  analysis  with  historical  records  I  will  discuss  the  Hospital  and  Venice  as  its  urban 

context. I will first analyse the Hospital as a formal and spatial system to show that it is a product of consciously 

applied  rules  that  if  built  would  result  in  a  spatial  culture  of  un‐programmed  events  and  serendipitous  social 

encounters. Such a collective  immaterial outcome can provide a new definition of the architectural programme 

based  on  social  co‐presence,  institutional  flexibility and  improvisation.  I will then  analyse  Venice’s  spatial  form 

alongside historical information to reveal an evolutionary pattern of urban form. This pattern  is centred on the 

nodal position of urban squares in the pedestrian and water networks, their key economic and cultural function, 

and corporeal treatment since early times. I will then suggest that the architects of the Hospital retrieved the self‐

organising dimensions of Venice and creatively reconfigured them in a new design reality.  

Finally,  I  will  extend  this  discussion  to  the  notions  of  conception  and  perception  ‐  and  to  contemporary 

architectural ideas based on emergence and self‐organisation. The latter might catalyse architecture and broaden 

the imagination, but divorce conscious thought from the generative process of design reiterating an old division 

between the material world and the mind. Conception refers to the immaterial aspects of form, often seen to be 

rational; perception refers to experiential aspects of the environment, and is often seen as material and sensual. 

As  the  case  of  the  Hospital  shows,  the  conscious  development  of  space  and  form  and  the  unconscious  self‐

organising  patterns  in  cities  and  architecture  are  not  separate  but  intertwine.  Aside  to  theories  of  design 

generation, we need theories of explanation, if we are to understand architecture through its own material and 

immaterial  dimensions,  instead  of  attaching  ideas  to  architecture  as  scientific  appendices.  I  will  conclude  that 

theory  exists  within  the  practice  of  design  itself  guiding  answers  to  the  questions  about  user  behaviour, 

experiences  and  social  relations.  The  key  to  architectural  design  lies  in  the  comparative  understanding  of  the 

products  of  architecture  as  spatial,  social  and  experiential  entities.  This  can  be  found  in  reconceptualising 

materiality and immateriality to take into account how architecture is conceived, how it is perceived, and how is 

informed by processes that are self‐organising.  

Dr. Sophia Psarra is a Reader in Architecture and Spatial Design at the Bartlett, UCL. Previously, she was Associate Professor at the 

University of Michigan and Senior Lecturer in Cardiff University. Her research explores the relationship between spatial characteristics, 

patterns of use, social relations and cultural meaning. She has collaborated with cultural institutions on the relationship between 

layout, exhibition narratives and visitors’ experience (MoMA, New York, The Natural History Museum, London). Her activities in these 

areas have resulted in publications, (Architecture and Narrative –The Formation of Space and Cultural Meaning, Routledge 2009), 

creative installations and design projects.  She has won first prizes in international architectural competitions. Her work has been 

exhibited in Venice Biennale, the George Pompidou Center, NAI Rotterdam, London, Berlin, Milan and Athens, Greece. 



Stephen Loo 
Professor of Architecture 
University of Tasmania 

 
Impersonal geometries 
 
There is a disposition in contemporary digital architecture towards a ‘flattened ontology’ where the milieu of 
design performance is composed of continuously relational immaterial entities, whether they are parameters and 
their abstractions, associations and the algorithms that represent them, or digital forms and the images that 
express them. And this immaterial realm of information and process has a tendency to take precedence over 
actual material objects as outputs of digital architecture. 
 
This condition of absolute immateriality in digital architecture can be seen, in Deleuze’s philosophy, to be a 
variation of the ontology of immanence in which there is an “equality of being.” (Deleuze, Expressionism in 
Philosophy, 1992: 173) Proponents of a current movement called ‘object‐oriented ontology’ (OOO) have 
appropriated this Deleuzian proposition in support of a ‘speculative materialism.’ Speculative materialism sees the 
world as completely made up of objects, the ontologies and agencies of which are impersonal, that is, independent 
from that defined by human beings, thus positing a critique of anthropocentric thinking in the material world. 
Speculative materialism is paradoxically appropriated by some parts of contemporary digital architecture to 
eschew authorial intention of the architects and to release architecture from humanist determinants, towards and 
auto‐emergentist attitude to digitally designed objects. 
 
This paper mounts an argument resisting the appropriation of object‐oriented ontology that supports the 
impersonality of immaterial digital architecture. It will attempt this, ironically, through an investigation of the 
geometry and mathematics of the immaterial milieu. Geometrical abstraction – the mathematics of differential 
and infinitesimal calculus in particular – posits the digital milieu in what Quentin Meillassoux calls ‘absolute 
contingency’: the digital milieu as something that “can be described and has to be described” (Meillassoux, After 
Finitude, 2007: 5) by geometry. Here, it is impossible to conceive the reality of the object in itself is because we 
cannot “distinguish between properties which are supposed to belong to the object and properties belonging to 
the subjective access to the object.” The impersonal geometry of the immaterial milieu of digital architecture 
comes to possess a factuality imbricated in personal material effects. It is a moment when the abstract extensivity 
of the discipline is made into the intensivity of individuation or subjectivity, requiring a altogether different 
economy of attention. 
 
 
	
Dr Stephen Loo is Professor of Architecture at the School of Architecture & Design, University of Tasmania. He has published widely on 

affect and the biophilosophy of the contemporary subject, ethico‐aesthetic models for human action, and experimental digital 

thinking. His current research (with Undine Sellbach) concerns the connections between ethics, psychoanalysis and the space of 

the entomological imagination with forthcoming publications in Angelaki and Parallax. 

   



 
Steve Harfield 
Associate Professor in Architectural Theory  
University of Technology Sydney 

 
A Deceptive Surface: Photography, Materiality, and Inference 

 
Such supposed information retrieval from the subject matter of the photograph leads us to assert an effectively 

uncomplicated  ‘perception’  and/or  ‘interpretation’  of  the  photographic  content  –  based  perhaps  on  the 

‘mechanical’ nature of such reproduction,  and  irrespective of our knowledge and appreciation of the ability to 

‘tamper’ with such content.  ‘Perception’ here  is understood to signal a relatively uncritical  level of  information 

availability, whereas ‘interpretation’ suggests a more sophisticated and self‐aware level of comprehension. What 

we see, we therefore convince ourselves, is what we get; what is in the photograph is precisely that which we can 

easily draw out from it; what the photograph clearly shows provides unequivocal evidence for and reinforces our 

understanding of its content.  

Yet all of this is mere assumption. What we perceive is no more than a ‘surface’ perception, a statement of the 

apparently obvious content of the photographic image based on no evidence beyond our own assumptions about 

that  content.  What  we  ‘get’  –  or  so  we  believe  –  is  precisely  what  we  ‘see’,  although  this  seeing,  and  our 

concomitant interpretation, is both depthless and inferential.  And while a given photograph may, in key respects, 

be transparent to its referent – this image is of a woman in her ‘fifties, of working class background, photographed 

in a less than salubrious environment – we cannot know from the photograph itself that this is the case. It could – 

just as easily, though perhaps less convincingly or less ‘apparently’ since we have a tendency to rush to the most 

direct  and  ‘self‐evident’  explanation  –  be  a  ‘set‐up’  photograph  constructed  by  the  photographer  for  some 

particular purpose, a still from a television series, a fancy dress ball, and so on. As such, our understanding of, our 

interpretation of, and our simple belief in any of the above, is thus inferential rather than evidential.  

Photography is thus, par excellence, a medium of materiality and ‘presence’ on the one hand, and of inference and 

self‐constructed  ‘knowledge’  on  the  other.    And  while  our  belief  in  the  ‘meaning’  of  photographs  is  almost 

inescapably reinforced by the apparent content of the image itself – the self‐imposition of evidence, rather than 

the analysis of demonstrable and unequivocal ‘fact’ – our supposed understanding of any photograph comprises 

the  (super)imposition  onto  the  image  of  our  own  assumptions  and  beliefs,  preferences  and  prejudices, 

expectations and desires.    Inference, therefore, rules; and belief – neatly and, too often, uncritically – follows! 

Drawing on a variety of sources the paper argues that our engagement with the photographic image is not merely 

interpretative but simultaneously both assumptive and  inventive.   The photograph thus constitutes a deceptive 

surface, a veritable Plato’s cave of triggered possibilities. And it is on the basis of the supposedly indexical, but by 

virtue of the  ‘supersensibility’ and self‐imposition of the viewer, that the  image  is re‐animated, re‐vivified, and 

drawn back to life, albeit a life of supposition, potentially far different from its beginnings before the camera lens. 

Steve Harfield is Associate Professor in the School of Architecture, Faculty of Design, Architecture & Building, at the University of 

Technology Sydney where he has lectured on theory, design and history since 1988. His primary research interests focus on the analysis 

of design and design thinking from a theoretical perspective. Specific foci are the ontology of design  (exploring the nature of design 

and of design concepts); design, problems and ‘problematization’ (investigating problem solving and the structure of problems, the 

nature of design problems, and the issue of problem construction in design); normative positions in thinking systems (explicating and 

theorizing the role of ideology, tacit knowledge, personal constructs, regimes of truth, etc., in design thinking and design decision 

making); and theorizing design processes.  Associate Professor Harfield has presented papers at major local and international 

conferences and has been published in international journals such as Design Studies and the Journal of Architectural Education. 

Ongoing projects include work on complexity and emergence in relation to design thinking; on the dislocation between generation and 

justification in design processes; on the nature of design problems; and on relations between architecture and music. 



 
Thomas Mical 
Associate Professor 
University of South Australia 

   
 
Transparency in Glass: Medium, Message, Symptom 
 
The characteristic trait that marked modern architecture's difference from the lure of antiquity was the collapse of 

transcendence into the immanent and nearly invisible materiality of glass. The surfaces of modernity are the skins 

of desires, the translucent surfaces of sense. In the case of architecture, where the modifications of the skin are 

conceptual and constructed, the modernist tendency of asceticism manifests itself in the skin becoming 

transparent, an infrathin tissue that promises the revelation of truth, of the real, through the optical negation of 

the surface.  

The compulsive repetition of glass surfaces, simultaneously an avant‐garde "culture of negation" and a "projective 

utopia" was a response to the metaphors of transparency within modernity, now recognized as an overarching 

myth, in that transparency is always partial, contingent, and masks something else. Rowe and Slutzky's influential 

retroactive identification of architecture's bivalent literal / phenomenal transparency is challenged by Lefebvre's 

writings on transparent space, and most recently revised by architect‐theorist Toyo Ito, who proposes further 

tropes: liquid, erotic, and opaque transparency.  

Transparency‐in‐glass is more accurately historicized following McLuhan as a medium whose message is a previous 

medium, paradoxically concealed in plain sight. The transparent surfaces of sense sustain the optical models of 

Enlightenment subjectivity, and are therefore most accurately analyzed using the Lacanian "symptom" ‐ 

"symptom" performing as metaphor, as censor and truth of a suppressed signified. The symptomatic “delay in 

glass” is also here proposed to be the interruption of the glass surfaces, in concept and affect. The "massage" of 

transparency will be exposed as the repressed irrational desires that were smoothed over in the fantasy of a 

homogenous universal spatial continuum of modernity. 

Thomas Mical is Associate Professor of Architecture at the University of South Australia’s School of Art, Architecture, and Design. He is 

the editor of Surrealism and Architecture (Routledge, 2005). He completed his professional Master in Architecture at Harvard 

University Graduate School of Design with a thesis on Blade Runner and Tokyo cyborg urbanism; his first doctorate at Georgia Tech on 

Nietzsche and De Chirico, and his second doctorate at the European Graduate School in Media‐Philosophy. He has taught at the 

Technical University of Vienna, University of Chicago, University of Florida, Carleton University, Rensselaer Polytechnic Institute, Illinois 

Institute of Technology, and Georgia Tech. His professional design experience has been in Chicago and Tokyo. His research examines 

some intersections of Architectural Theory, Surrealism, Transparency, and Hauntology. 



Mina Yaney 
PhD Candidate 
Vienna University of Technology, Austria 

   
 
Post‐parametric Architectural, Aesthetical and Sociopolitical Configurations 
 
In considering how materiality has been fabricated and deployed throughout modern technoscience, one observes 
an underlying operating deterministic‐analytical anthropocentrism bending nature according to human’s 
intentional will. Variants on such a claim are reminiscent of Heidegger's critique of modern technology, in the 
seventies, where he describes the essence of modern technology as Enframing, [Ge‐stell], which transforms the 
world into an instrumental “standing‐reserve”. Hence, organic materiality has been conceived of as passive, inert, 
and therefore subject to intentional configuration and organization into desired ends, such as products, objects, 
and habitable structures. Perhaps the imagery of the Vitruvian Man and of the concomitant model of the machine, 
as modern guiding metaphors for the production of built environments, depicts how the modern project has been 
distinctly based on a cognitive approach to materiality. 
However, the history of British cybernetics offers a different conception of materiality as well as a concomitant 

form of technology and science that attempted to generate propositions to circumvent a modern domination of 

nature through knowledge while incorporating the morphogenetic and adaptive intelligence of embodied matter. 

The projects of Britain’s leading cyberneticians, Gordon Pask and Stafford Beer, as well as their approach of what 

one may call embodied or biological computation, are most indicative of such cybernetic approach to materiality. 

The paper critically investigates the interrelation of materiality, information, interactivity, and interfaciality in the 

case of Pask’s notion of chemical computers while characterizing his approach as generating quasi‐organic 

electrochemical interfaces.  

Subsequently the paper attempts to expand the Paskian conception of electrochemical interfaces by the 

introduction and evaluation of the notion of metabolic biotechnical interfaces. This introduction seeks to expand 

on the interfacial (and nondual) opportunities provided by recent developments in biotechnology as potential 

source of technology, methodological, theoretical, and material transfer. The paper concludes with speculations on 

how architectural design might, thereby, be rethought as biotechnical interface between intentionally‐dependent 

and intentionally‐independent systems while inducing organic habitable structures from within – via modulation 

and interfacing ‐ rather than mechanically and intentionally imposing rigid form from without. 

 
 
Mina Yaney is an architectural designer and a PhD candidate at the Vienna University of Technology. 
His thesis Becoming Skin: Cultivating Interfaciality grapples with the undertheorized philosophical notion of the interface as ontological 
and epistemological device while relating it to recent developments in biotechnology. His work attempts to create propositional 
synergies between architecture, philosophy, social sciences, media theory and emerging biotechnologies. He is co‐founder of the 
Vienna‐based association ImPlanTat and collaborated with architect Wolfgang Tschapeller at the international competition Bauhaus 
Europa, was awarded at the international competition Techtextil, (2009) and gained 2010 the distinguished Fohn‐fellowship for 
extraordinary projects in Vienna.   



Matthias Ludwig 
Professor of Architecture 
HS Wismar, Germany 

   
 
Ulrich Müther : Cast in Concrete (invited contribution)  
 
For a long time the work of Ulrich Müther has received little attention.  The main reason for this is not ignorance, 

but the fact that he has worked as a structural engineer in East Germany ‐ behind ‘the iron curtain”. His buildings 

stand out not only for their constructive aspects, but also for their exceptional spatial and architectonic 

characteristics that are defined by their construction material – concrete. Müther’s skills in bringing concrete into a 

well‐considered and structurally‐optimized form allowed him to design architectural objects with outstanding 

aesthetic qualities. His architecture generated an aura of experimentation and cosmopolitanism that stood 

diametrically opposed to the ubiquitous “Plattenbau” of the former GDR.  

 

Müther referred to himself as formwork virtuoso (Schalenbaumeister) to underscore his comprehensive skills as 

both engineer and architect. Over a period of 30 years, he designed more than 60 concrete formwork buildings, all 

of which were designed and fabricated by his own company VEB Spezialbetonbau on Rügen – with specialist 

machinery imported from the “capitalist West”. Mostly conceived as prototypes for serial production, only few of 

his constructions are free standing architectural objects. The current state of his buildings ranges from expertly 

executed renovations to deliberately instigated demolitions – the most negative example being the destruction of 

his so‐called “maple leaf” building in Berlin in 2000. 

 

Following the political changes after the opening of the East German borders, Müther’s work has gained increasing 

recognition in Western Europe. Particularly in Switzerland, numerous publications and exhibitions 

(Architekturforum Zürch) testify to a growing interest in his architecture.  I will argue that, despite his isolation, 

Müther wrote an important chapter in the history of precast concrete construction with his unbelievably light 

formworkand  his buildings are to be regarded as of equal importance to the cast concrete works of Felix Candela 

Outerino in Mexico and Heinz Isler in Switzerland. 

 

Matthias Ludwig is Professor of Architecture at the Hochschule Wismar and partner in the Stuttgart‐based architectural firm büro für 
architektur. The work of his practice has won multiple national awards and has been named by wallpaper magazine as one of the  “Top 

25 architect practices around the world".
He studied at SAC under Peter Cook, at the University of Applied Science, Stuttgart and The 
Bartlett, University College London . Matthias held a fellowship at the Akademie Schloss Solitude in Stuttgart and has taught at the 
University of Western Australia in Perth and at the State Art Academy in Stuttgart before his professorial appointment at Wismar. His 
research focuses on mobile architecture and prefabricated buildings and he is author of the book Mobile Architektur ‐ Geschichte und 
Entwicklung modularer und transportabler Bauten. In 2011, he was appointed as the director of the Ulrich Müther ‐ Archive in Wismar. 

 

 
   



André Bélanger 
School of Law, Université Laval, Québec/Canada 
 

Anne Bordeleau 
School of Architecture, University of Waterloo, Ontario/Canada 

 
 
Material Antagonism: Art, Law and Architecture (presented as a film during breaks) 
 

We are interested in the materiality of the architectural project and the legal contract as social artifacts, here 

contrasting their materiality to their possible reification. Shadows in an economically driven world, the 

architectural project and the legal contract can too often merely serve a society promoting ent’art’ainment. And 

yet, they both bear the potential to act as indexical signifiers in complex social realms. Studying art works that are 

situated at the junction of law and architecture, our intention is to foreground the critical role of the contract and 

the architecture as social artifacts, tangible traces of the subjective and intangible in‐between. 

To question the desocialization currently affecting both these practices, our study considers artistic uses of the 

contract in different architectural settings (e.g. art galleries, museum, art fairs, street art). In particular, we turn to 

the work of Santiago Sierra, an artist who has been paying homeless people, illegal immigrants, prostitutes or black 

people to perform in various artistic venues. Operating in a blurred legal and spatial zone, Sierra reveals that the 

capacity of the artist to critic, reinvent, and reinterpret the world is clearly part of the legislative process. 

His practice also exposes the distance between artistic venues as institutional frameworks that somehow open a 

normative space in which some illicit activities may exceptionally surface, and the actual walls and floors of the 

architectural setting against which these activities are cast. His work thus points to architecture’s and the 

contract’s material significance, both bearing effects that extend much beyond the codification and limitation of 

social behaviors and spatial movements. 

Learning and building from Claire Bishop's criticism of relational aesthetics and her emphasis on antagonism, the 

intention is to explore how Sierra's juridical‐based performances, displayed as spectacles in different artistic 

venues, bring to the fore the crucial, complex and material dimensions of the contract and of architecture as social 

artifacts. 

 

 

Professor André Bélanger has been teaching law at Université Laval since 2002. He was awarded a doctoral degree in Law at Université 

Laval, after completing a DEA at the University of Montpellier I. His research and teaching activities centre on contract theory. Some 

recent publications include interdisciplinary studies on the relation between linguistics and law (Bakhtin and ScaPoLine), incursions in 

sociology (Mauss, Honneth), and critical considerations of literature and statistics in relation to the theory underlying contract. 
 
Anne Bordeleau is an architect and professor at the School of Architecture of the University of Waterloo, where she teaches design 
studio and cultural history. A postdoctoral Fellow at the Paul Mellon Centre for Studies in British Art, she holds a PhD in Architecture 
from the Bartlett School of Graduate Studies, and a professional degree as well as a post‐professional Masters in the history and theory 
of architecture from McGill University. Her work on nineteenth‐century architectural history and theory, on the indexical nature of 
architecture and on architectural representation has been published in Architectural Theory Review, Footprint, Journal of Architecture 
and Architectural History. 

   



Agnieszka Mlika 
Artist and PhD Candidate 
Central Saint Martins College of Art and Design, University of the Arts London   
 
 
Painting Architecture: Material Modes of Projective Thinking (presented as a film during breaks) 
 
Is it possible to imagine a work which behaves like architecture, without 'looking' like architecture? With this 

question, Stan Allen suggested a new line of affiliation for architecture: painting, based on an analogous effect to 

architecture’s functioning rather than its materiality. This paper, as part of a practice‐based PhD, builds upon 

Allen’s suggestion by analysing how contemporary painting can contribute to ‘design thinking’ by its potential to 

simultaneously visualise the material and the immaterial qualities of architecture. It is argued that the architectural 

discipline has not developed the appropriate methods to visualise a holistic understanding and experience of 

space, but rather developed a rational, reductive and abstract visual language. However, the visualisation of 

architectural projection ought to reflect the wider realm in which architecture functions, if we are to accept Cedric 

Price’s claim that the best solution to architectural problems is not always a building. The presented project 

‘Painting Architecture’ is analysed to understand whether, and how, painting ‐ in its threefold meaning of medium, 

form and practice ‐ can reflect and contribute to a larger paradigmatic shift in the architectural profession from an 

autonomous art of design to a practice which embraces social responsibility and contingency in its processes. By 

borrowing from fine art the concept of relational aesthetics, the paintings are produced during dialogues by 

visually tracing the process of spatial thinking. As such, the painting functions as a mediator, reflecting ‘design 

thinking’ as an interactive process of confrontation, negotiation and collaboration, thus anticipating contingency 

and potentiality. While this shifts the interpretation of the painting from an aesthetic object to a functional tool, it 

suggests for the architectural discipline a material mode of thinking that reflects an increasingly immaterial 

architectural practice as spatial agency. 

 

Agnieszka Mlicka is an artist and PhD candidate at Central Saint Martins College of Art and Design, University of the Arts London, 

following initial research at the School of Architecture and the Built Environment, University of Westminster. The practice‐based 

research investigates what contemporary painting can contribute to the process of architectural design. This builds upon MA research 

into the motives and methods of drawing cities at Wimbledon College of Art, UAL. Prior to this, she received an MA in Fine Art from the 

Ruskin School of Drawing and Fine Art, University of Oxford. For further details: www.agnieszkamlicka.com